Когда вышел первый мультфильм: полная история рождения анимации

История анимации начинается задолго до появления кинематографа в привычном нам понимании. Первые попытки оживить рисунок предпринимались ещё в XIX веке, когда изобретатели экспериментировали с оптическими игрушками и проекцией последовательных изображений. Сегодня мы рассматриваем Фантасмагорию Эмиля Коля (1908) как первый полноценный рисованный мультфильм, но корни искусства уходят глубже.

Точный ответ на вопрос «когда вышел первый мультфильм» зависит от определения термина. Если речь о проецируемой анимации для зрителей — это 1892 год и «Театр оптики» Рейно. Если о плёночной анимации — 1906 год и работы Блэктона. А если о классической рисованной анимации на пленке — 1908 год и Коль. Каждый этап важен для понимания эволюции жанра.

Предтечи: оптические игрушки и «Театр оптики»

Ещё до изобретения киноаппарата люди пытались создать иллюзию движения. В 1832 году belge Финес Джозеф Антуан Плато изобрёл фенакистископ — диск с рисунками, который при вращении создавал анимацию. Позже появились зоетроп (1834) и праксиноскоп (1877) Эмиля Рейно. Эти устройства не записывали движение на плёнку, но заложили принцип: быстрая смена статичных кадров.

Чарльз-Эмиль Рейно совершил прорыв в 1892 году. Его Театр оптики (Théâtre Optique) проецировал ручную рисованную анимацию на экран для платной аудитории в парижском Музее Гревена. Первые сеансы включали «Бедного Пьера» (Pauvre Pierrot), «Клоуна и собак» и «Пиво». Это первый в истории публичный показ анимированных картинок на экране — за 3 года до первых сеансов братьев Люмьер.

• 🎞 Фенакистископ (1832) — диск с щёлочками для просмотра анимации одним глазом
• 🔄 Зоетроп (1834) — барабан с рисунками внутри, просматриваемый через щели
• 🎨 Праксиноскоп (1877) — улучшение зоетропа с зеркалами вместо щелей
• 🎭 Театр оптики (1892) — проекция на экран для коллективного просмотра

⚠️ Внимание: Многие источники ошибочно называют «Фантасмагорию» 1908 года первым мультфильмом абсолютно. Это верно только для рисованной анимации на киноплёнке. Работы Рейно 1892 года предшествуют ей на 16 лет и используют другой носитель — перфорированную ленту с рисунками.

Джеймс Стюарт Блэктон: отец американской анимации

Британец Джеймс Стюарт Блэктон, эмигрировавший в США, стал пионером стоп-моушн и комбинированной анимации. В 1900 году он снял «Зачарованный рисунок» (The Enchanted Drawing) — сцену, где художник рисует лицо, а затем «оживляет» его стоп-кадровой съёмкой. Это был не мультфильм в чистом виде, но важный эксперимент.

Настоящим прорывом стал «Юмористические фазы смешных лиц» (Humorous Phases of Funny Faces, 1906). Блэктон рисовал мелом на доске, снимал кадр, стирал, рисовал следующую фазу — и так далее. Получилась первая плёночная анимация в истории, демонстрирующая смену мимики и даже курение сигары нарисованным персонажем. Длительность — около 3 минут.

В 1907 году Блэктон снял «Гостиницу «Электрик»» (The Haunted Hotel) — комбинацию и стоп-моушн, где предметы двигались сами по себе. Фильм вызвал фурор: зрители не понимали, как это сделано, и анимация получила признание как кинематографический трюк.

Эмиль Коль и «Фантасмагория»: рождение рисованного мультфильма

Француз Эмиль Коль (настоящее имя — Эмиль Курт) в 1908 году создал «Фантасмагорию» (Fantasmagorie) — работу, которую киноведы единогласно признают первым полностью нарисованным мультфильмом на киноплёнке. Коль рисовал каждый кадр чернилами на белой бумаге, затем негативировал изображение: получались белые линии на чёрном фоне, напоминающие меловой рисунок на доске.

Фильм длится всего 1 минуту 45 секунд и состоит из ~700 кадров. Сюжет намеренно абсурден: персонаж Фанташ появляется и исчезает, превращается в разные объекты, взаимодействует с клоуном и полицейским. Нет линейного повествования — только демонстрация возможностей анимации: метоморфозы, распад и сборка форм, игра с перспективой. Коль изобрёл «линию действия» — принцип, когда следующий кадр рождается из предыдущего.

Техническая хитрость: Коль снимал «на двойку» (каждый рисунок два кадра), что давало ~12 кадров в секунду при стандартных 24. Экономия труда без потери плавности. Этот метод стал стандартом для студийной анимации на десятилетия.

• 🎬 700 рукописных кадров — каждый уникален, нет циклов и повторов
• ⚪ Негативный стиль — белые линии на чёрном фоне (экономия чернил)
• 🔄 Съёмка «на двойку» — 12 уникальных кадров в секунду вместо 24
• 🎭 Персонаж Фанташ — первый анимированный герой с узнаваемой силуэтной формой

⚠️ Внимание: «Фантасмагория» не имеет саундтрека — кино тогда было немой. Музыкальная сопровождение подбиралось пианистом в зале во время сеанса. Первые звуковые мультфильмы появятся только в 1926–1928 годах (серия «Ко-Ко» Флейшера и «Стимбот Уилли» Диснея).

Технические детали съёмки «Фантасмагории»

Коль использовал вертикальный стойку с камерой, направлённой вниз на стол с рисунками. Освещение — два мощных рефлектора по бокам. Каждый кадр контролировался вручную: Коль снимал крышку объектива, менял рисунок, закрывал крышку, крутил ручку камеры на 2 кадра. Процесс занял около 5 месяцев работы в одиночку. Плёнка — обычная киноплёнка 35 мм перфорированная по Эдисону. Негатив проявлялся в лаборатории «Гомон», где Коль работал сценаристом и режиссёром живых фильмов.

Уинзор Маккей: анимация как искусство личности

Если Коль изобрёл технологию, то Уинзор Маккей (Winsor McCay) превратил анимацию в авторское искусство. Известный как создатель комикса «Маленький Немо в Слumberland», он применил навыки художника к движению. В 1911 году вышел «Маленький Немо» — анимированная заставка к его vodevil-спектаклю, где персонажи комикса двигались с невиданной плавностью.

Настоящая сенсация — «Гертруда динозавр» (Gertie the Dinosaur, 1914). Маккей нарисовал ~10 000 кадров на рисовой бумаге (не на клёрах — их ещё не изобрели). Гертруда вела себя как живая: дышала, переминала ногами, реагировала на команды Маккея во время живого выступления. Это первый персонаж с характером и эмоциями, а не просто движущийся рисунок.

Маккей работал в одиночку, без ассистентов, и не запатентовал свои методы. Его приём «ключевых поз» (keyframes) и «промежуточных кадров» (inbetweens) стал основой производственного конвейера студий 1920–30-х. Дисней позже назвал Маккея «отцом нас всех» в анимации.

• 🦕 10 000+ кадров — нарисованы в одиночку за 6 месяцев
• 🎭 Интерактивный спектакль — Маккей «управлял» Гертрудой со сцены
• 🎨 Рисование на бумаге — без клёров, каждый кадр полный перерисов
• 💡 Принцип ключевых кадров — основа современного пайплайна анимации

Джон Рэндолф Брэй и индустриализация процесса

К 1914 году анимация оставалась ремеслом одиночек. Джон Рэндолф Брэй (John Randolph Bray) изменил это, создав первую анимационную студию на потоке — Bray Productions. Он запатентовал использование прозрачных клёров (cels) — селлулоидных листов, на которых рисовались только движущиеся элементы, а фон оставался статичным на отдельном листе.

Вместе с аниматором Эрлом Хёрдом (Earl Hurd) Брэй развил систему разделения труда: художники-ключевики рисовали ключевые позы, «инбитуинисты» — промежуточные кадры, окрасочники — закрашивали клёры с обратной стороны. Фоновые художники работали отдельно. Это снизило стоимость кадра в 10 раз и позволило выпускать по серии в неделю.

Первой сериальной франшизой студии стал «Колонел Хехли» (Colonel Heeza Liar, 1913–1924) — повторяющийся персонаж в еженедельных выпусках. Брэй также ввёл производственный конвейер с тайм-шитами (dope sheets) — таблицами синхронизации кадров, звука и движений.

Инновация	Автор/Студия	Год	Значение
Прозрачные клёры (cels)	Брэй и Хёрд	1914	Разделение фона и персонажей, повторное использование фонов
Ключевые/промежуточные кадры	Маккей / Брэй	1914–1915	Стандартизация производственного процесса
Тайм-шиты (dope sheets)	Bray Productions	1915	Точная синхронизация анимации, звука и камеры
Серийный выпуск	Bray Productions	1913	Первая франшиза с повторяющимся героем (Колонел Хехли)
Ротоскопирование	Макс Флейшер	1915	Перерисовка живого видео для реалистичного движения

От немых к звуковым: новая эра

1920-е годы стали временем технологического скачка. Братья Флейшер (Max и Dave) изобрели ротоскоп (1915) — прибор для проекции живого кино на стол аниматора с последующей перерисовкой. Это дало невиданную реалистичность движений в серии «Из чернил» (Out of the Inkwell) с клоуном Ко-Ко.

В 1926 году Флейшеры выпустили «Мой старый Кентукки» (My Old Kentucky Home) — первый мультфильм со синхронизированным звуком (система DeForest Phonofilm). Персонажи пели и говорили в такт звуковой дорожке. Дисней изучил этот опыт и в 1928 году представил «Стимбот Уилли» (Steamboat Willie) — первый всемирно известный звуковой мультфильм с Микки Маусом.

Важно: звук не просто «добавился». Он изменил ритм монтажа, заставил аниматоров считать такты, синхронизировать движения губ с речью (lip-sync). Появилась профессия музыкального редактора и практика записи звука до анимации (pre-scoring).

⚠️ Внимание: «Стимбот Уилли» часто называют первым звуковым мультфильмом. Это миф. Флейшеры опередили Диснея на 2 года. Но Дисней сделал звук неотъемлемым элементом драматургии, а не гиммиком — и именно эта модель стала стандартом индустрии.

Цвет, многоплановость и «Снежная королева»

После звука последовала битва за цвет. В 1932 году Дисней получил эксклюзивную лицензию на Техниколор процесс №3 (трехцветная съёмка) на 3 года. «Цветы и деревья» (Flowers and Trees) — первый цветной мультфильм в прокате, получивший «Оскар». Конкуренты (Флейшеры, Уолтер Ланц) использовали двухцветные системы (Cinecolor, Two-strip Technicolor) — менее насыщенные.

В 1937 году вышла «Снежная королева и семь гномов» (Snow White and the Seven Dwarfs) — первый полнометражный рисованный мультфильм в истории. Бюджет $1,5 млн (колоссально для 1937), 750 художников, 1,5 млн нарисованных кадров, многоплановая камера (multiplane camera) для эффекта глубины. Кассовые сборы $8 млн за первый прокат — доказали: анимация может быть крупным бизнесом.

Многоплановая камера Диснея (собственная разработка 1937) позволяла двигать до 7 слоёв (клёров и фонов) с разной скоростью относительно камеры, создавая параллакс. Этот приём использовался до эры CGI и воссоздан цифровой в CAPS (Computer Animation Production System) в 1990-х.

• 🌈 Техниколор №3 (1932) — первый полноценный трехцветный процесс для анимации
• 📐 Многоплановая камера (1937) — до 7 слоёв с независимым движением
• 🎬 Снежная королева (1937) — 1,5 млн кадров, 750 художников, 3 года производства
• 💰 $8 млн проката при $1,5 млн бюджете — коммерческий триумф

Ранняя советская анимация: свой путь

Параллельно с Западом развивалась отечественная школа. В 1924 году Выacheslav Котёновский и Николай Ходжиков сняли «Советские игрушки» — первый советский мультфильм (перерисовка фотографий, сатира на НЭП). В 1925–1927 годах Александр Птушко экспериментировал с объёмной анимацией (пуппет-анимация) в «Новом Гулливере» (1935) — первом полнометражном советском мультфильме с куклами.

Иван Иванов-Вано, «патриарх советской анимации», в 1927 году снял «Ледянную палатку» — первый советский рисованный мультфильм с оригинальным сюжетом. В 1947 году его «Конь-горбунок» (переснят в 1975 в цвете) стал классикой. Студия «Союзмультфильм» (основана 1936) к 1950-м выпускала до 30 мультфильмов в год, развивая уникальный «авторский» подход — режиссер был и художником, и сценаристом.

Советская школа внесла вклад в технику отреза (cutout animation) — анимацию плоскими фигурами на стекле, что дешевле клёров и даёт свой пластический язык. Мастера: Юрий Норштейн («Ёжик в тумане», 1975), Андрей Хржановский («Стеклянная гармоника», 1968).

• 🇷🇺 1924 — «Советские игрушки» (Котёновский, Ходжиков) — первый советский мультфильм
• 🎭 1935 — «Новый Гулливер» (Птушко) — первый полнометражный с объёмными куклами
• 🎨 1927 — «Ледяная палатка» (Иванов-Вано) — первый авторский рисованный
• ✂️ Техника отреза — уникальный пластический язык советской анимации

Цифровая революция: от «Истории игрушек» до наших дней

1995 год — «История игрушек» (Toy Story) от Pixar — первый полнометражный мультфильм, полностью созданный компьютерной графикой (CGI). Никаких клёров, красок, камер. 114 240 кадров, рендеринг на ферме из 117 компьютеров Sun Microsystems (RenderMan), 800 000 машинных часов. Бюджет $30 млн, сборы $373 млн.

Технология не убила рисованную анимацию — она трансформировалась. Студии перешли на цифровой конвейер: рисование на планшетах (Toon Boom Harmony, TVPaint), компоновка в After Effects/Nuke, 3D-лейауты для сложных ракурсов. Японская аниме-индустрия (Studio Ghibli, MAPPA, Ufotable) мастерски сочетает ручную рисовку с 3D-слоями для камерных движений.

Сегодня границы стерты: «Паук-человек: Через вселенные» (2023) использует не-фотореалистичный рендеринг, имитирующий комикс — каждый кадр как иллюстрация. ИИ-инструменты (Ebsynth, Runway, Stable Diffusion) начинают применяться для интерполяции кадров и стилизации, но авторское решение за художником.

• 💻 1995 — «История игрушек» (Pixar) — первый фулл-CGI фулл-метраж
• 🎨 Цифровой конвейер — планшеты вместо клёров, Toon Boom/TVPaint вместо карандашей
• 🕸 2023 — «Паук-человек: Через вселенные» — не-фотореализм как художественный выбор
• 🤖 ИИ-инструменты — интерполяция, стилизация, помощь рутине (не замена автора)

Интересный факт про «Фантасмагорию»

Оригинальный негатив фильма считался утерянным до 1980-х, когда его обнаружили в архивах CNC (Centre national du cinéma) во Франции. Коль в 1930-х сжег большую часть своего архива в приступе депрессии, спасли только несколько копий, разосланных в прокат. Современные реставрации делаются с 35-мм позитивной копии 1908 года, оцифрованной в 4K при поддержке Lobster Films. Фильм находится в публичном домене — можно свободно скачивать, изучать и ремикшировать.

FAQ: Частые вопросы о первом мультфильме

Какой мультфильм считается самым первым в истории?

Ответ зависит от критерия. Первая проецируемая анимация для аудитории — «Бедный Пьер» (1892) Шарля-Эмиля Рейно в «Театре оптики». Первая плёночная анимация (стоп-моушн/мел) — «Юмористические фазы смешных лиц» (1906) Джеймса Стюарта Блэктона. Первый полностью нарисованный мультфильм на киноплёнке — «Фантасмагория» (1908) Эмиля Коля.

Почему «Стимбот Уилли» не первый звуковой мультфильм?

Братья Флейшер выпустили «Мой старый Кентукки» со синхронизированным звуком в 1926 году — за 2 года до «Стимбота Уилли» (1928). Но Дисней первым сделал звук неотъемлевой частью драматургии и персонажа, а не демонстрацией технологии. Поэтому «Стимбот Уилли» стал культурной точкой отсчёта.

Что такое клёры и зачем они нужны?

Клёры (cels) — прозрачные листы селлулоида (позже ацетата), на которых рисуются только движущиеся элементы персонажа. Фон рисуется отдельно на бумаге и используется для множества кадров. Это изобретение Брэя и Хёрда (1914) сократило трудозатраты в 10 раз и стало стандартом студийной анимации до цифровой эры.

Каков вклад советской анимации в мировую историю?

Советская школа создала уникальный язык «техники отреза» (cutout animation) — анимации плоскими фигурами на стекле. Мастера Юрий Норштейн («Ёжик в тумане») и Андрей Хржановский («Стеклянная гармоника») достигли художественного уровня, недоступного для клёров. «Союзмультфильм» к 1980-м выпускал до 30 фильмов в год с авторским подходом, где режиссёр — единый автор визуала и сюжета.

Когда появилась компьютерная анимация?

Первые эксперименты — 1960-е (Иван Сатерленд, «Sketchpad»). Первый фрагмент CGI в кино — «Западный мир» (1973, 2D-векторная графика). Первый персонаж CGI — «Пятнистый рыцарь» в «Тайне кожи-дракона» (1985). Первый полнометражный фулл-CGI — «История игрушек» Pixar (1995). Современные фильмы гибридны: 3D-лейаут, 2D-рисовка, процедурные эффекты, ИИ-интерполяция.